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Midori: indumentaria que busca crear vanguardia

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"Crear vanguardia". Con ese objetivo en mente, la diseñadora Javiera Arias se embarcó en su proyecto de título, que la llevó a desarrollar una marca de indumentaria de autor que "tuviese como premisa provocar y llamar la atención a través de sus siluetas, textiles y cortes". ¿El resultado? Midori (disponible en tienda Santas). Hoy nos contará cómo espera estar a la altura de esta promesa.

La propuesta de Midori


"Como propuesta Midori busca la experimentación en sus diseños, a través de diferentes técnicas textiles, cortes y caídas geométricas, fusionando distintos materiales y siluetas de forma clásica. Midori busca generar sensaciones a través del diseño, evocar estilos de distintas épocas con cada detalle y terminación, creando la singularidad y originalidad que quiero aportar al diseño de mi país".



 Los factores que influyen en el proceso creativo de Midori


"Creo que todo influye y puede ser un factor, desde tu estado emocional hasta lo que puedes ver en las noticias o escuchar o ver en una fiesta. Cada elemento que te rodea afecta directamente tu proceso creativo. Me considero una persona muy curiosa, siempre estoy investigando lo que me llama la atención. Sobre todo me parece importante estar atenta a lo que se puede observar y aprender en la calle y en las redes sociales, que es en donde se plasma realmente lo que las personas mueren por expresar. El vestuario es expresión".



Crear moda con identidad local para Midori


"Moda con identidad local es a lo que me refería en mi respuesta anterior. Como diseñadores debemos resolver necesidades, y creo que la única manera de saber lo que pasa en tu localidad, y qué necesita la gente, es salir a observar. Observar el comportamiento de las personas, la forma en que se relacionan, cómo se expresan. Yo me dedico a curiosear sobre los seres humanos, y eso es lo que plasmo en mis diseños, lo que desde mi perspectiva siento que quieren y necesitan reflejar".



El principal desafío que enfrenta una marca como Midori


"Como marca de diseño de autor, el desafío constante, aunque no el principal, será competir con los bajos precios y alta demanda del retail. El desafío principal es lograr provocar a los usuarios, hacer que se interesen por tu forma de mirar el mundo cuando diseñas, moverlos, hacerlos despertar, despegar su atención de las vitrinas del retail.

Midori intenta lidiar con esto a través del diseño mismo. Si logras cautivar a través de tu trabajo y hacer algo distinto desde la pasión por tus creaciones, puedes hacer grandes cambios y hoy las redes sociales te permiten llegar al público más rápidamente, mostrar tu perspectiva de forma visceral".

Imaginando el futuro de Midori


"Creo que lo que me gustaría, más que cómo lo veo a futuro, sería tener a Midori como un referente de innovación en el diseño de autor de mi país. Me gustaría que llegara a las personas de forma inclusiva, haciéndolas parte de su proceso creativo y de crecimiento. Con esto me refiero a ser una marca que no separe a las personas a través de sus precios o estética. Para mí lo principal es generar accesibilidad. Por último, me gustaría que Midori se conociese por sus diseños y propuestas, logrando motivar al resto de los diseñadores nacionales, generando una constante retroalimentación".

(Fotos gentileza de Midori)


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Bernardo Santander: indumentaria desde la elegancia clásica

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Los tiempos no siempre se determinan linealmente. Para algunos dar "el salto" hacia lo desconocido e incierto que significa emprender en moda les tomó meses, a otros años. El diseñador Bernardo Santander es uno de estos últimos. Si bien estaba ligado al vestuario desde hace mucho, recién en 2014 se sintió maduro profesionalmente y decidió crear su marca homónima de indumentaria femenina, en la que el glamour y la elegancia clásica son el hilo conductor. Hoy nos contará más detalles sobre ella.

La propuesta de Bernardo Santander


"Mi propuesta es más bien una silueta clásica, muy femenina, elegante y con muchos detalles a mano. Siento que toda mujer sueña, alguna vez, verse como las artistas de Hollywood y soy el que lo puede lograr".

Carola de Moras conduciendo el Festival de Viña del Mar 2016 con un vestido Bernardo Santander. Foto: Aton

Los factores que influyen en el proceso creativo de Bernardo Santander


"Mi trabajo es bastante personalizado, lo que hace que cada diseño sea único, tomando como inspiración principal a cada una de mis clientas. Obviamente también estoy atento a las tendencias mundiales, no solamente en moda, también en estilo de vida y sociales, ya que todo eso influye en la moda. En el caso de mi colección, me inspiró en la bella Nancy Sinatra, pero llevándola a un contexto actual".


Crear moda con identidad local para Bernardo Santander


"La moda local la encuentro muy cartucha, se quedaron pegados en el minimalismo. Yo voy más allá en el sentido de poder crear cosas destacando las curvas de la mujer chilena que es tan característica. Me enorgullece ser chileno y mostrar mi trabajo".


El mayor desafío que debe enfrentar una marca como Bernardo Santander hoy


"Siento que al chileno todo le asusta, no se atreven, y se ve reflejado en los eventos donde el little black dress es casi un uniforme, ese es el mayor desafío que siempre tengo, tratando de cambiar la mentalidad de las personas. Por lo general trató de ganarme la confianza de las clientas, asesorándolas de pies a cabeza, no sólo limitándose al vestido, les muestro referencias, distintas alternativas, ya que para mí cada clienta es única y especial. Pero todas quieren lo mismo, verse bellas".


¿El futuro de Bernardo Santander?


"Mi más grande sueño es que mi marca tenga una proyección internacional, donde pueda lanzar dos colecciones por año, estar en las grandes pasarelas, red carpets y que la gente reconozca un Bernardo Santander sólo con mirarlo".


(Fotos por Rodolfo Aguilera para Pasarela Moda y foto 2 por Bernardo Santander)

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The First Monday in May: el documental sobre la exhibición del MET de la influencia de China en la moda

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(Por Lontano) Hace unos días les conté mi paso por Manus x Machina en el Museo Metropolitano de Nueva York (MET), sobre la relación de la moda y la tecnología. No obstante, el año pasado (2015), la exhibición llevó por nombre “China: Through de looking glass(China: a través del espejo) y reseñó cómo China ha inspirado a la moda de occidente. Esta muestra fue preparada con más de ocho meses de anticipación. Su proceso fue registrado en el interesante documental, The First Monday in May (El primer domingo en mayo), que también documenta su gala, la que se realiza el primer lunes de mayo. Hoy te cuento mis impresiones luego de verlo.


The First Monday in May: China y la moda en el MET


La película comienza dando el contexto a las exhibiciones dedicadas a la moda, las que son organizadas por el Instituto de Vestuario del MET, poniendo la discusión en primera fila respecto a si la moda debe ser considerada como arte. Esta interrogante no es trivial en este caso, pues el cuestionamiento surge desde el mismo museo, que es uno de los más reconocidos del mundo, con piezas icónicas de renombrados artistas como Van Gogh, Vermeer, o Warhol y con una de las colecciones más extensas sobre Egipto y la misma China.



Así, entendemos que la única forma de relevar la moda es que el curador de las muestras, un correcto Andrew Bolton, sea una especie de genio de la planificación y se rodee de el mejor equipo posible para llevarla a cabo. Bolton parece ser el preferido de Anna Wintour, editora de Vogue Estados Unidos, quien funciona como veedora de la muestra y quien planifica en detalle la gala previa a su apertura al público general.


Y si bien las exhibiciones de moda en el MET llevaban varios años, Bolton comienza a brillar a partir de la exhibición dedicada a Alexander McQueen el 2011, un año después de la muerte del diseñador británico. Es ahí donde se marca un punto de inflexión, ya que la muestra tiene el mayor registro de asistencia en los últimos 40 años del MET.

Sin embargo, la exhibición sobre China tiene una complejidad adicional: exhibir lo que el occidente plasma en la moda sobre China, puede no ser lo que China quiere que se muestre. Si bien la película no interioriza en lo político, lo destaca en una escena cuando los organizadores viajan a China y son interpelados por algunos periodistas. En este punto Bolton y su equipo se asesoran con un grande: nada menos que Wong Kar Wai, director chino de la espectacular “In the mood for love(Con ánimo de amar).



Las escenas de la ardua preparación y montaje de la muestra son intercaladas por entrevistas a numerosos diseñadores y personalidades, donde destaca John Galliano y su colección primavera 2003 para Dior, la que lanzó luego de un viaje de tres semanas por China y Japón.



Además, una segunda narración de la película nos muestra la organización de la gala. Es ahí donde recordamos esa Anna Wintour de The September Issue y de su parodia en The Devil wears Prada (El Diablo se viste a la Moda). La editora de Vogue se lanza frases para el bronce, dignas de una mujer que lo tiene todo tan claro a su juicio, y que a ratos se asimila graciosamente a su parodia. Sin duda, Anna Wintour es una gran mecenas para el museo. El monto recaudado en la gala va completamente al Instituto de Vestuario del MET, y por eso fue rebautizado con su nombre.


En resumen, una película que hay que ver, muy interesante para conocer algo más de uno de los eventos de moda que marcan el año en el país del norte y que hace unos años impregna las redes sociales de celebridades que asisten (y de los memes que se generan, como acá le sucede a Rhianna).




Pero en mi opinión, además sirve para conocer el arduo y complejo proceso que lleva montar las exhibiciones de moda del MET y que su éxito logre minimizar las dudas acerca si la moda es un arte. En mi opinión, al menos las obras de Galliano y McQueen que salen en la película, lo son.


(Fotos gentileza del MET, Vogue y Fist Monday in May)

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Un paseo por Ropero Paula 2016: los favoritos de la primera jornada

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(Por Claudia Mellado) Aunque no estaba tan atochado de gente como en otras oportunidades (el año pasado era casi imposible moverse dentro del nivel -1 del Portal La Dehesa), la inauguración de Ropero Paula 2016 fue concurrida. No diría que fue un lanzamiento glamoroso, sin embargo (aunque la ubicación ayuda, claro), había muchas caras del retset criollo, y la puesta en escena del Ropero era con stands, generando una experiencia de compra clásica. Pero ¿cuáles fueron los puntos alto de su primera jornada y qué me pareció su selección de marcas? Acá te lo cuento.


Los stands y desfiles del primer día de Ropero Paula 2016


La organización de Ropero por stands, obviamente, no tiene nada de malo, al contrario, reúne en un espacio amplio la propuesta de diferentes diseñadores, así como actividades anexas vinculadas a la belleza. Creo que es un acierto incorporar cada año stands dedicados a la belleza, tanto relacionados con maquillaje, como al cuidado de la piel y el cabello. El ambiente se torna grato y permite capturar, todo el día, al público (90% mujeres según lo que vi) en el recinto.

La inauguración estuvo marcada por tres desfiles: el del argentino Martín Churba con su marca Tramando, el de ModaLab de Inacap y el de Weider Silveiro.

El primero en escena fue Martín Churba con Tramando, quien presentó su colección otoño invierno 2016, 360%; nombre, dicen, que hace alusión al uso multifacético que la mujer puede dar a estas piezas durante el día. A mí me pareció variada en estilo y calidad, llena de colores y con una mezcla de influencias no tan definidas como, al menos, yo esperaba. El diseñador apostó por ropa suelta, de muchas capas, oversize en muchos casos, y una mezcla de colores y diseños de estampados dentro de un mismo look.

El corte de muchas piezas era minimalista, las telas,  estampados y texturas te llevaban a un mundo cercano a Turquía o Arabia Saudita. Por otro lado, si bien muchas de sus propuestas era “usables” en el día a día, tal y como el lema de su colección lo indica (me habría comprado algo, sobre todo alguno de los pocos looks que presentó más ceñidos al cuerpo, con brillos y colores más sólidos, muy elegantes por cierto), muchas otras era sólo piezas de maniquíes, no muy ad hoc al estilo, forma y cuerpo de la mujer chilena.


El segundo desfile de ModaLab de Inacap, en cambio, apostó por la simpleza, sutileza y usabilidad de las prendas. 11 diseñadores mostraron sus creaciones, en la que noté bastante geometría en los cortes, harta mezcla de texturas y espaldas descubiertas. Me agradó que los diseñadores se diferenciaran en su apuesta, a través de gamas de colores desde Camila Brito, María Jesús Jofré, Catalina Rodríguez o Valentina Gaymer con diseños más minimalistas y colores pasteles o directamente al uso del negro. Mientras creadores como Grace Gonzalo o Katherine Jara, se inclinaron por diseños geométricos y el juego de dos o tres colores dentro de sus looks. También fue un agrado fue ver como el blanco y el uso del cuero se apoderó de la pasarela en muchos de estos diseños.



El tercer desfile  del brasileño Walter Silveiro  fue mucho más tarde de lo previsto, pero tuvo una buena puesta en escena en general, con looks bastante urbanos, minimalistas en su mayoría, y donde el blanco, (además del azul y el amarillo) fueron protagonistas.

Foto por Revista Paula

En resumen, lo mejor de la inauguración de Ropero Paula fue la factoría nacional. En mi recorrido por los stands, mi impresión fue la misma: el diseño nacional, y su desarrollo en innovación y propuestas de moda son cada vez de mejor factura.



¿Dónde? Portal La Dehesa, estacionamiento nivel -1. Avda. La Dehesa 1445, Lo Barnechea.
¿Hasta cuándo? Domingo 29 de mayo.

(Foto principal gentileza Revista Paula)

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