Diseño mapuche: reflexiones para crear desde identidad indígena en la moda

Mientras más me interno en los caminos de la creación de moda con identidad local, más me doy cuenta que para consumir este tipo de creaciones se necesita mirar no sólo con los ojos, sino también con la cabeza. Ello me quedó más que claro cuando la semana pasada tuve la oportunidad, gracias a El Tour de Inacap, de conocer una comunidad mapuche en Temuco y aprender más sobre la cosmovisión que hay detrás de sus diseños. Este diálogo me abrió diversas preguntas respecto a la creación con inspiración en las culturas ancestrales. ¿Cuáles son los desafíos? Hoy le doy una vuelta.

Crear moda con identidad indígena: desde lo literal a lo simbólico

Como much@s de ustedes, mis conocimientos sobre el pueblo mapuche se circunscriben a mi etapa escolar y una que otra lectura universitaria y noticiosa vinculada a la contingencia. No obstante, nunca me había internado en el estudio del diseño mapuche, ni menos en tratar de entender su significado.

Mural en calle Higueras, Cerro Alegre, Valparaíso

No obstante, la vida siempre nos lleva a los lugares apropiados cuando tenemos la capacidad de recibir sus mensajes menos literalmente. Eso me pasó luego de visitar la Ruka Kimun de la Comunidad Makewe zanja en las cercanías de Temuco, donde no sólo pude aprender más sobre la cultura mapuche, sino también de su comovisión / filosofía de vida, que se imprime con intensidad en todas sus expresiones manuales desde lo textil a la joyería.

Paisaje (arriba) desde la Ruca Kimun (abajo) de la Comunida Makewe zanja

Si bien la jornada -que compartí con invitados de Argentina, Brasil, EE.UU. y Chile de El Tour de Inacap- fue sólo una primera aproximación a la materia, me permitió comprender que si bien uno puede observar y apreciar el proceso productivo de la artesanía mapuche, su real entendimiento y, por ende, valoración se logra una vez que se conoce el relato tras cada una de estas obras.

El problema es que la cultura mapuche es de tradición oral, por lo tanto, acceder a esta sabiduría no resulta tan fácil como parece, ya que las propias comunidades recién hoy están desarrollando un ejercicio de traspasar todo este saber a texto escrito (con la dificultad de ponerse de acuerdo en una interpretación), de tal forma que no se pierda en medio de la vorágine de la modernidad.

Héctor nos explica los significados de los dibujos del kultrún.  A su lado, Sarah Owen de WGSN NY

Un aspecto que me hizo mucho sentido al conocer más sobre la historia tras los textiles y joyería mapuche fue que al igual que la que llamamos moda de autor o con identidad,  "su hacer" está marcado por el lugar donde habitan las comunidades que la crean, lo que influye a su vez en la interpretación del diseño. Es decir, si bien ciertos elementos se tienden a repetir, la simbología tiene diferente interpretación dependiendo si se proviene de la costa o cerca de la montaña.

Por otra parte, en todos estos trabajos manuales se expresa la profunda relación de los mapuche con la naturaleza y el cosmos. Además de su jerarquía social, en la que dependiendo del estatus o rol en la comunidad es el resultado de la pieza. Por ejemplo determinados textiles estaban reservados sólo para las mujeres casadas, mientras otros son para las solteras y las niñas. Lo mismo se da en el caso de los líderes de la comunidad como el toqui, cuya indumentaria tiene diseños más complejos o personalizados de acuerdo a su posición.

Claudia nos explica la técnica del telar mapuche y nos describe el significado de los dibujos, que tienen que ver principalmente con las estrellas y astros

Sin embargo, un aspecto que me llamó mucho la atención de las conversaciones que tuvimos con Héctor, Claudia y don Juan, fue lo señalado por este último, especialista en joyería mapuche, quien fue enfático en señalar que la única manera de preservar este patrimonio cultural expresado en esta artesanía era a través de la innovación, ya sea en los materiales como en la adaptación de sus usos. Por ejemplo, era impensable pensar que una chilena de ciudad usaría una trapelacucha con el peso y dimensiones del objeto original en su vestuario cotidiano, por lo tanto, era fundamental pensar cómo explorar en nuevos materiales que mantuvieran la esencia, pero le dieran actualidad al esta joya.

En ese sentido, creía que la fusión cultural, que respeta el relato y le entrega nuevas dimensiones simbólicas y estéticas a la cultura ancestral no sólo era positiva, sino también necesaria. Porque sin evolución, no hay sobrevivencia.

Trapelacucha en plata, cuyos significado habla no sólo de la naturaleza, sino también del linaje familiar de quien la porta

Este aspecto me llevó a pensar que existen dos caminos para la creación de moda inspirada en lo ancestral: el literal, que utiliza sin mayores cambios tanto las técnicas como simbologías de la etnia; y el interpretativo, que sin perder de vista la tradición logra reintepretar lo literal y le da un giro moderno y vanguardista. Sin duda, este último aspecto es el que me parece más atractivo, porque supone acercarse a la fuente, investigar e internarse más allá del museo en estas culturas donde lo oral es la base de la transmisión del conocimiento.

Lo anterior supone que quienes desean tomar las culturas originarias como inspiración, no pueden quedarse sólo en la revisión bibliográfica o de los lugares comunes, sino que es fundamental lograr una inmersión.

Esta simple acción permitirá, no sólo maravillarse con su mirada de mundo mucho más armónica que la nuestra, sino también a través de su sabia guía darle un giro a la tradición de la mano del diseño, llevándola a una nueva dimensión, más cercana a la modernidad, pero con las raíces en una cosmovisión, que aunque muchos quieren confinar al pasado, está más viva que nunca en el presente.

(Foto principal: Mural de CharquiPunk en cerro Alegre, Valparaíso)