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Lecciones de Abstract: The Art of Design para la moda de autor latina

Para crear y apreciar el diseño se necesita no sólo sensibilidad estética, sino también contexto o background. Ello porque el "arte de diseñar" supone un proceso, que tiene que ser comprendido y admirado del mismo modo que el resultado. Tuve la posibilidad de mirar la serie documental Abstract: The Art of Design -disponible en Netflix-, donde se destacan a diversos artistas del sector, que entregan su punto de vista respecto al diseño. Para mí, sus historias revelan interesantes lecciones que la escena de la moda de autor latina debería recoger. Acá mi resumen de ellas.

Abstract: The Art of Design


Abstract: The Art of Design fue creada Scott Dadich y estrenada en febrero de 2017. Su primera temporada tiene 8 capítulos donde se repasa la historia y carrera profesional de 8 destacados personajes ligado el diseño en sus más variadas expresiones.


El primer capítulo es protagonizado por el ilustrador Christoph Niemann; luego continúan con el genial y legendario diseñador de las zapatillas Nike, Tinker Hatfield; continuando con la escenógrafa Es Devlin; el arquitecto Bjarke Ingels; el diseñador de automotriz, Ralph Gilles; la diseñadora gráfica Paula Scher; el fotógrafo Platon; y el diseñador de interiores Ilse Crawford.

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br> Si bien a primera vista, varios de estos relatos no coinciden con el mundo de la moda, al revisar cada capítulo, uno se da cuenta que hay coincidencias, que no sólo son reveladores para los creativos ligadas a estas materias, sino también para uno como consumidor de estos productos altamente complejos, y sofisticados desde su lógica constructiva.

De hecho, la gracia de esta serie es que visibiliza el proceso creativo / productivo y permite comprender la tremenda labor detrás de ciertos bienes de consumo masivo o cultural.

Pero ¿cuáles son estas lecciones? Acá mis 7 destacadas:

- Ser revolucionario: no inventar la rueda, sino lograr mirar más allá de lo evidente. Atreverse a crear nuevos paradigmas reiventando los cimientos tradicionales. Para ello se requiere de fuerza interior y la visión para proyectar el "buen envejecimiento del diseño" y crear gustos, lo que para la moda sería la capacidad de trascender a las tendencias y convertirse en atemporal.

- Entender el uso: quiénes y para qué se usará. Escuchar qué es lo que se necesita, desea y/o sueña. Tener la capacidad para interpretar ese sentir, entendiendo que el producto no es de uno, sino de esos "otros". Resolver el problema de ese otro. En la moda supone comprender la funcionalidad de lo que diseña y conectarse con el consumidor desde sus exigencias, "insatisfacciones" o incluso "dolores".

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- El imperativo del storytelling: los objetos deben contar historias. Para ello no es necesario inventar una novela, la inspiración y proceso son parte de este relato que debe ser evidente para el consumidor, ya que le ayuda a conectarse con el diseño, transformando el objeto en experiencia, emoción. Este aspecto es parte del capital de la moda de autor y una base para cualquier producto del siglo XXI.

- Sin prueba y error no hay producto: las buenas ideas no siempre salen a la primera. La perseverancia es fundamental para lograr resultados. Y necesario insistir hasta llegar al mejor producto (no necesariamente el "perfecto") según el uso que quiere dársele.

- Entender los tiempos de lanzamiento: es necesario tener la flexibilidad para ir adaptándose a los nuevos contextos y comprendiendo que "el tiempo del consumidor", no siempre es el "tiempo del producto", por lo que hay que saber esperar los escenarios que permitan "dar el golpe" y sorprender. La moda de autor debe saber leer el entorno para llegar justo a tiempo con esa prenda que se desea, incluso inconscientemente.

- El pasado como cimiento creativo: no se trata de copiar o vivir resignificando el pasado, sino que entender la historia detrás del objeto para crear con ese cimiento, que permite identificar los aciertos y desaciertos para corregir y mejorar. La moda de autor debe tomar el pasado como referente de aprendizaje desde la humildad del recién llegado.

- Solo no se puede: si bien hay aspectos del diseño que son más solitarios, su materialización requiere de equipos de trabajo y, en muchos casos, de la colaboración interdisciplinaria, que aporta diversas perspectivas de solución y producción. En el caso de la moda de autor es evidente, para lograr la sostenibilidad de una marca es fundamental hacerlo en grupo de tal manera de dividir las responsabilidades y tareas, así también de potenciar cada uno de los aspectos de la cadena de valor.

Si no puedes (quieres) ver la serie documental completa, desde mi perspectiva el episodio imprescindible es el del Tinker Hatfield (nº2). Su historia, además de inspiradora, entrega "tips" para todo aquel que quiera iniciarse en el negocio de la moda y particularmente del diseño de calzado, no sólo deportivo.

¿Has visto esta serie documental? ¿qué te ha parecido? ¿qué otras lecciones rescatas de ellas?


(Fotos y videos gentileza de Abstract)


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